viernes, 30 de diciembre de 2011

Últimos números de las revistas Fantoche y Móin-Móin

Acabo de recibir los últimos números de dos revistas dedicadas al teatro de marionetas, Fantoche editada por Unima Federación España, y Móin-Móin, editada por la Sociedade Cultura Artística de Jaraguá do Sul (SCAR), de la Universidad do Estado de Santa Catarina (UDESC), de Brasil.

Ambas despliegan un conjunto de artículos de extraordinaria calidad que son un verdadero regalo para los aficionados a las artes escénicas de las formas animadas. Dejo para más adelante una atención pormenorizada de los contenidos, y procedo simplemente a mostrar sus portadas así como los enlaces dónde pueden consultarse On Line, el número actual completo en el caso de Móin-Móin, y números anteriores en el caso de Fantoche.

Números anteriores, clicar aquí.

Número actual, clicar aquí. Todos los números, aquí.

“El Circo de las Penas”, en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona

Estos días puede verse en el Centro de Arte Santa Mónica, al final de las mismísimas Ramblas barcelonesas, una exposición insólita y única, la creada por Jordà Ferrer y Óscar de Paz, de la compañía Antigua i Barbuda, de máquinas teatrales agrupadas bajo el título de “El Circo de las Penas”.

"La máquina de la esencia de la música"
Creo que hacía tiempo que no veía algo tan brillante, original, creativo y a la vez tan hermoso y entrañable, todo mecánico pero muy “humano”, dotado de una tecnología sofisticada pero a su vez elemental. Máquinas que nos retrotraen tanto a épocas pasadas como futuras: “pasadas” por sus mecanismos arcaicos de una época que podríamos llamar “ferroviaria”, y “futuras” porque no incitan a producir sino a gozar, augurando épocas venideras en las que, esperemos, los humanos dedicaremos nuestro tiempo a divertirnos, a colaborar y a comunicarnos unos con otros desde la imaginación creativa.

Los artistas que firman las máquinas son Jordà Ferrer y Óscar de Paz, quiénes han colaborado con el músico y sonorizador de espacios Pablo Rega y el dramaturgo Josep Pere Peyró. Un trabajo en el que se nota la madurez de una experiencia asentada por los años. No en vano Jordà Ferer, tras su aprendizaje inicial con Laura y Toni Barberà de la Fira Fantástica, estuvo trabajando con compañías tales como La Fura dels Baus, Comediants, Royal de Luxe o Phillippe Genty, entre muchas otras de gran categoría.

En “El Circo de las Penas”, las máquinas están unidas por el hilo argumental del personaje Joao Siqueiro, un portugués visionario e inventor quién, tras instalarse en Brasil, diseña y construye a finales del siglo XIX la máquina “de hacer llorar”, la de “la esencia de la música”, la “de medir el amor”…

El conjunto está pensado para que las máquinas actúen ante un público sentado en unas gradas móviles, para situar así a los espectadores ante cada número. Lástima que el pequeño espacio del Arts Santa Mónica dónde han sido ubicados sólo permite presentar el trabajo en formato de exposición. Pero aún así, y gracias a unos videos que reproducen la acción de las máquinas con sus sonidos correspondientes, los visitantes se quedan boquiabiertos y admirados frente al derroche de imaginación y de ingeniosidad desplegado ante sus ojos.

Extraordinaria la pianola que crea combinados olfativos según las notas van sacando gotas de uno u otro perfume, a través de sofisticados mecanismos que convierten el conjunto en un autómata musical desventrado que realmente saca perfumes de verdad. O el inquietante artilugio con un corazón en su baño de formol: cuando un espectador se le acerca, el corazón empieza a bombear mientras unos engranajes mecánicos se ponen en movimiento, de modo que uno no sabe si es la máquina lo que hace bombear el corazón, o son los latidos de éste los que ponen en marcha el aparato…

La noria
En el patio del Santa Mónica, los de Antigua i Barbuda han montado dos atracciones de feria que también sorprenden por su factura de rara tecnología retrofuturista: un Tiovivo en el que en vez de caballitos hay ingenios de todo tipo, y una noria cuyos asientos son viejos váteres de porcelana. Una estética de cuento gótico-futurista que debe entusiasmar a los niños y a los mayores que suben en ellas.

La exposición es, sin duda, una de las más originales que han pasado por el Santa Mónica, perfectamente encajada en este cruce de caminos entre Ciencias y Artes que el Centro ha pretendido ser desde el principio. Lástima que una de sus secciones más brillantes, la que dirigía Josep Perelló, haya tenido que ser sacrificada por imperativos económicos, según me han dicho en la entrada. Una pérdida tremenda de un proyecto que hacía mucho con muy poco. No se entiende que los excelentes ejemplos de innovación y sostenibilidad que han sido todos los trabajos de este departamento de ciencia/arte hayan sido sacrificados, cuando debieran ser los modelos a tener en cuenta. Paradójica crisis…

Adjunto un video sobre las máquinas expuestas que he encontrado en la red.
 

el circo de las penas from oscar de paz on Vimeo.

martes, 20 de diciembre de 2011

“Tiempos de Barcelona”, de Jesús Atienza

Artículo sobre la exposición de fotografías inaugurada el 13 de diciembre en la galería Il Mondo de Barcelona. Jesús Atienza, bien conocido por ser un fotográfo que desde siempre se ha ocupado de los títeres, ha mostrado en esta ocasión imágenes de una Barcelona en blanco y negro que ya no existe. Hasta el 14 de enero.
  
Foto de Jesús Atienza expuesta en Il Mondo
Si uno de los objetivos principales de la fotografía es fijar el tiempo, “retratarlo” sería el objetivo oculto de quiénes la practrican desde una perspectiva artística. Una consideración que viene a cuento ante las fotografías expuestas por Jesús Atienza en Il Mondo.



Y es que Atienza ha ido creando con los años una filosofía de la imagen que ha tomado al Tiempo como tema principal aunque nunca explícito ni declarado. Me lo contaba él mismo cuando, hablando sobre las fotografías expuestas, indicaba hasta qué punto le interesaba dejar reposar unos años las imágenes en un cajón, para permitirles expresar luego todo el “tiempo” que la imagen arrastra o acumula consigo. Darse cuenta de ello modifica la actitud del fotógrafo ante el objetivo: el ojo ya no se fija sólo en la anécdota o en el elemento nuclear que debe centrar la imagen, sino que se abre al “tiempo” para captar la amplitud de lo que envuelve el instante. Ensanchar los minutos para que lo instantáneo pueda abrirse en canal y exhibir sus entrañas, pero también para mostrar las circunstancias exteriores de toda una sociología histórica envolvente.

Pero el Tiempo, para ser retratado, necesita dónde posarse, objetos, personajes y situaciones que le permitan encarnarse, es decir, necesita “temas”. Los de Jesús Atienza son bien ilustrativos de esta obsesión suya por la visión amplia de los “tiempos a retratar”: Marionetas, Pepe Otal, Boxeo, Circo, Tatuajes, Barcelona, Retratos, Sitges, Bondage y Periplos. Dejo los más anecdóticos y los relacionados con el día a día de la “carn a l’olla”, como son la Moda o la Publicidad. Los temas citados tienen como denominador común el “límite”: campos de experiencia situados en zonas sociales y existenciales limítrofes, ya sea por exceso (Boxeo, Tatuajes, Bondage) o por hallarse en zonas de actividad periférica (Marionetas, Pepe Otal, Circo, Sitges). Los tres temas que no he citado tienen significados “metafotográficos” concretos de intención: Barcelona como decorado, Retratos como objetivo y método con el que mirar al Tiempo, y Periplos como expresión de lo que realmente le interesa al fotógrafo: los recorridos de la vida, lo que nos afecta y nos transforma, lo que se prolonga en movimiento.

Temas que nos hablan asimismo de un deseo de situarse en los márgenes sociales, allí dónde “suceden cosas”, y en los que el Tiempo es vivido y deja sus huellas. Una marginalidad que no rehuye la profesionalidad más estricta del fotógrafo, sino que, por el contrario, parece afianzarla aún más, como una ancla a la que agarrarse para que el torbellino de lo temporal no le arrastre a uno.

Marionetas y Circo: he aquí dos temas estrella, al menos para nosotros. La razón sería que tras estas actividades de exhibición visual, hay personas y trayectos, historias que contar y tiempos por detectar. De ahí que la figura de Pepe Otal, cómplice y amigo, se haya convertido en uno de sus temas preferidos y más logrados, una trayectoria que resume en su conjunto no sólo el periplo vital y dramático del personaje, sino casi cuarenta años de historia local y global con un sinfín de rostros y de aventuras vitales de distinto voltaje y color. Un tema que daba para “infinitos retratos del Tiempo”.

Centrémonos en el “decorado”, es decir, en Barcelona, el tema escogido por Jesús Atienza para esta exposición. Un decorado que jamás está vacío de almas, una obsesión importantísima para el fotógrafo. Lo que nos indica el carácter teatral de su visión fotográfica, pues del mismo modo que una escenografía sin actores no hace teatro, una ciudad sin habitantes tampoco hace ciudad. La urbe como un espacio laberíntico  para los humanos que se mueven por ella. Un paisaje de exteriores, de calles, de fachadas llenas de vida, de rincones singulares. Y en casi todos ellos, un personaje en solitario sobresale del conjunto, como si quisiera a veces escabullirse del mismo. El tema de la soledad surge discreto pero con fuerza en estas imágenes captadas todas ellas (menos una, fácilmente detectacle por ser en color) en los años 1979-1980. La soledad del individuo en la ciudad: un tema universal y profundamente contemporáneo. A veces es un señor que vemos de espaldas o que pasa la cabeza gacha, o una señora con la cesta de la compra, o un obrero subido a una larguísima escalera pegando un cartel, o un soldado que sube solo por las Ramblas. Incluso la foto contemporánea nos muestra la soledad de una vagoneta suspendida en el vacío. El tema de la soledad cruza el decorado urbano y su “tiempo retratado”, dándole una importante dimensión dramática.

Unos retratos del tiempo de una época que fue nuestra en su día y que lo sigue siendo, gracias en parte a imágenes como las presentes, y a pesar de las ingentes transformaciones y de sus inevitables declives. ¿Qué queda de aquella Barcelona, además de los documentos gráficos que la sostienen visualmente? La ciudad ha cambiado su piel y nosotros, sus habitantes, también hemos mutado por dentro y por fuera. Darnos cuenta de estos cambios para comprender que Barcelona sigue siendo la misma tras haberse transformado por completo en otra, tal sería, a mi modo de ver, el principal de los objetivos de la actual exposición de Il Mondo.

lunes, 19 de diciembre de 2011

“Pepe Otal, el viaje infinito”, película de Pedro Nares


Se presentó este domingo 18 de diciembre en el bar Montse de la Barceloneta (en Barcelona) el reportaje realizado por Pedro Nares en conjunción con Ernest F.Sala sobre Pepe Otal. Se trata de una película de una hora y ocho minutos de duración en la que se muestran las múltiples facetas del insigne titiritero de Albacete a través de entrevistas realizadas a él mismo así como una recolección de varios testimonios a cargo de Jordi Ràfols, Manel Martí, Jordi Bertrán, Pep Gómez, Pilar Gálvez, Oriol Font, Albert Tort, Carlos López, Carles Codina, Mila Cubero, Jaume Tomillero, Jesús Atienza y Toni Rumbau.

Pepe Otal y Marta Otzet, en el bar del Teatro Malic.
Diciembre 2001.
La película está realmente muy bien hecha y los que asistimos al acto nos hicimos cruces de que hubiera durado más de una hora, pues nos la tragamos entera sin noción alguna del tiempo transcurrido. Sirve sobretodo para mostrar la compleja personalidad de Pepe Otal, con una variedad de facetas que sus distintos amigos van desplegando en la película una tras otra, algunas de ellas contradictorias y por ello tan interesantes, pues de lo que no cabe duda es que todas son reales y fundadas por años de experiencia y de amistad. Junto al Pepe sabio y amable está el Pepe canalla y endurecido, y frente al poeta inspirado y buen conocedor de las constelaciones, el lúbrico y donjuanesco Pepe que sólo busca satisfacer sus ardores amorosos. Este enamorado de la muerte que fue Otal confiesa que en realidad no sabe nada de ella, y que prefiere no tener que definirla ni conocerla, seguramente para no enturbiar una relación profunda que duró hasta que ella se lo llevó a su palacio.

La película recorre la vida de Pepe desde su infancia en Albacete, su paso por la escuela náutica, su aprendizaje con el señor Tozer, sus primeras andaduras en los años del cambio político en España, con una clara afinidad anarquista que nunca abandonó, y la creación de su compañía Grupo-Taller de Marionetas, instalada primero en una escuela ocupada de la Barceloneta y, dieciocho años más tarde, en el local de la calle Guardia, en pleno  Barrio Chino.

Creo que Jordi Bertrán es quién mejor da en el blanco a la hora de situar al personaje, de quién dice que para él, su mejor obra fue el mismo taller que fundó con su ambiente abierto y su generosidad con los amigos y con cualquiera que acudiera a él. Algo que queda demostrado por todos los titiriteros que tuvieron el Taller como su punto de partida y por su pervivencia actual, pues incluso tras muerto, su herencia, encarnada en lo que es hoy la Casa-Taller de Pepe Otal, sigue dando sus frutos.

La película volverá a presentarse precisamente en la Casa-Taller de Pepe Otal este próximo viernes 23 de diciembre, a las 19h de la tarde.

Festival de Invierno en La Puntual

Llegó puntual, como no podía ser de otro modo en este pequeño teatro de Barcelona llamado La Puntual, su Festival de Invierno que suele celebrar por estas fechas, a modo de desintoxicación navideña para los niños del empacho consumista propio de la Navidad.

Imagen de “Vivaldi. La Cigala i
la Formiga”
Y llegó con cuatro espectáculos muy diferentes entre si y todos ellos de una gran calidad. Empezó el grupo Penjim-Penjam Titelles, un histórico de los títeres en Cataluña, con la obra “El Moliner”, un primoroso trabajo solista a cargo de Mercè Alemany. Le ha seguido en el calendario La Petita Brownie i Cia con “Vivaldi. La Cigala i la Formiga”. Contnuará un ya clásico de la sala, “Caramante”, con Eugenio y Néstor Navarro, espectáculo de teatro de sombras con gafas de tres dimensiones para los espectadores. Y acabará Ayelén Cantini con “Efímers Maravelles”, un espectáculo poético-visual hecho con pompas de jabón. Para más información del programa, ver la página de La Puntual.

Pude asistir a una de las representaciones del segundo espectáculo, el de la Petita Brownie i Cia, y puedo decir que gocé del espectáculo y de ver gozar a los niños y a los mayores que abarrotaban la sala, con una brillante interpretación de Susana Rubio que se enfrentó en solitario a esta conocida fábula de La Fontaîne. Lo hace la titiritera catalana dando la vuelta al final, que adapta a los nuevos tiempos necesitados de mayores dosis de bondad, ante las realidades duras que se avecinan. Podría decirse que la obra es de una actualidad absoluta: la hormiga acaba invitando a la cigarra a su casa, en vez de dejarla morir en la intempeie -sin techo, salario mínimo ni seguridad social. Claro, esto no se dice en el espectáculo, pero uno se lo imagina. En este sentido, ilustra también una de las visiones de más éxito de la actual Europa, con sus cigarras sureñas que viven de cantar al sol, y las hormigas nórdicas, que trabajan y producen en sus fríos polares. Cuando llegan los fríos para todos, las hormigas del norte deben acudir en protección de las pobres cigarras del sur, afónicas de tanto cantar y sin un duro en los bolsillos. Como puede verse, las fábulas puestas al revés dan mucho de si.

Actúa Susana con mucho primor y con un extraordinario dominio de la voz, que se amolda perfectamente a los distintos personajes como guantes sonoros, con registros nada forzados y musicales timbres de voz. Su presencia es asimismo agradable y muy correcta, en el sentido de mantener una relación adecuada con los títeres y también con respecto al público, al que trata con cariño pero a su vez con la necesaria distancia para no caer en la excesiva dulcificación. El otro componente del espectáculo es la música, las Cuatro Estaciones de Vivaldi en concreto, cuya genialidad garantiza una atmósfera sonora de gran categoría, lo que hace subir muchos puntos al espectáculo.

El resultado fue una ovación muy sentida del público, el cual parecía no querer irse del teatro, acercándose a la ventana inferior del retablo dónde la hormiga tiene su apartamento y dónde se podía ver a la cigarra muy contenta sentada en un sofá frente a un plato de sopa caliente. En definitiva, un muy buen espectáculo presentado con honradez, buen oficio y mucho gusto.

domingo, 18 de diciembre de 2011

El proyecto Perla en la Casa-Taller de Pepe Otal

Llegó a Barcelona este fascinante proyecto-gira de las dos actrices Ana Zavala y Micaela Gramajo que salieron de México el 29 de septiembre y que, tras actuar en Colombia, Perú, Chile, Argentina y Uruguay, cruzaron el charco para recalar primero en Madrid, luego Bilbao y acabar en Barcelona, concretamente en la Casa-Taller de Pepe Otal.

Ana Zavala en plena interpretación.
Foto de Julio Castro Jiménez.
Digo Fascinante por varios motivos: primero por la calidad de las obras presentadas y de la interpretación de ambas actrices, y luego por el sentido que han querido dar a la gira de promoción y homenaje a la escritora y directora de teatro argentino-mexicana Perla Szuchmacher, fallecida recientemente. Las dos obras presentadas son “Lágrimas de agua dulce” (de Jaime Chabaud) y “Malas palabras”, de Perla Szuchmacher, quién a su vez dirigió en su día ambas piezas. Son dos obras para actuación solista, de modo que las dos actrices se reparten los papeles: Ana Zavala con “Lágrimas de agua dulce” y Micaela Gramajo con “Malas palabras”.

Tuve la buena suerte de asistir a la primera de las representaciones y la mala de no poder asistir a la segunda, pero aunque me haya quedado a medio camino, pude constatar la calidad de la propuesta, y darme cuenta del valor de la misma, tras charlar con las dos jóvenes actrices y percatarme de su arrojo así como del rigor con el que han emprendido el proyecto.

“Lágrimas de agua dulce” cuenta la historia de una niña que llora, en efecto, lágrimas de agua dulce en un pueblo aquejado de sequía, lo que induce a su padre y a las autoridades a usarla para satisfacer las necesidades de agua de la gente. Una metáfora de cómo el mundo se acomoda a la explotación basada en el sufrimiento de los más débiles. Muchas son las lecturas que pueden hacerse de la obra, cuya gracia radica tanto en la elegante sencillez del lenguaje y de la trama como en la magnífica interpretación de Ana Zavala, en el papel de abuela de la niña. Es ella quién nos explica la historia ayudada de unos muñecos que manipula a la vista y de un enorme tapiz que hace de decorado y que nos sitúa en el espacio del pueblo en cuestión. Una dramaturgia, la de Perla Szuchmacher, perfectamente adaptada al perfil de la actriz, de una agradable presencia y con una dicción que embelesó al entregado público de Barcelona que acudió a la presentación. Daba gusto escuchar este castellano dulcemente pasado por el filtro mejicano, de una riqueza semántica y fonética a la que los españoles estamos poco acostumbrados, ante el actual uso acanallado y empobrecido que solemos hacer de la lengua. Escuchar aquella historia tan bien narrada e interpretada, me hizo pensar en lo bueno que sería poderla ofrecer a nuestros públicos infantiles para que tuvieran una cierta idea de cómo se hablaba antes. Ana Zavala bordó una actuación cuya mayor virtud fue la naturalidad con la que narra y hace las distintas voces de los personajes mientras va manipulando títeres, objetos y decorados.

Una vez más, la Casa-Taller de Pepe Otal cumplió con su función de ofrecer hospitalidad a los titiriteros que están de paso por Barcelona y que encuentran en su pequeño escenario un lugar ideal dónde recalar y presentar su trabajo. Han conseguido ya un público fiel que acude a los programas semanales, así como un agradable ambiente de informalidad y de cercanía que encandila a los artistas invitados y a los espectadores, en su mayoría jóvenes. Un gran logro que la presentación del Poyecto Perla volvió a poner de relieve.

sábado, 3 de diciembre de 2011

Últimos días en Bucarest


Edificio de Bucarest
Tras los intensos días de trabajo con la representación, llegó la hora de conocer algo sobre la ciudad de Bucarest, que desconocía por completo. Una ciudad que me ha parecido enormemente seductora, en parte debido a una cierta imagen destartalada de la misma, algo que siempre agradezco en las ciudades europeas, y sobretodo por el cruce de estilos que puede observarse en sus calles y edificios. No podemos ignorar que la historia de Rumanía está marcada por la extraordinaria acumulación de pueblos distintos que la han cruzado, conquistado, estrujado, sojuzgado y finalmente adaptado a ella.

Considerada ya en edad muy temprana como una zona de gran desarrollo del primer bronce, fue un territorio enormemente codiciado por los imperios antiguos, a causa sobretodo de sus riquísimas minas de oro. Una tierra, sin embargo, que sabía defenderse muy bien, de ahí los esfuerzos que tuvieron que hacer los romanos para conquistarla. Una vez lo consiguieron –César murió antes de conseguirlo y sólo Trajano lo consiguió a finales del s.I d.C.–, el Imperio se financió en sus años más gloriosos gracias a las enormes cantidades de oro provenientes de Dacia. Se calcula que los romanos extrajeron en 170 años de explotar la región unos 5.500 kg de oro y unos 1.000 kg de plata por año. El enorme botín de guerra tras la conquista de Trajano en el año 100 (1.650.000 kg de oro y 10 millones de kg de plata) permitió que en todo el Imperio se suprimieran aquel año los impuestos (información extraída del libro “La Roumanie”, de Mihaï E. Serban, ed. Karthala, Paris, 1994).

Edificio de la Escuela de Arquitectura
El interés imperial por la región se manifestó en una profunda romanización de la misma, lo que explica que ya en época bizantina y entrados en la Edad Media, la lengua latina se mantuviera como base parlante de sus habitantes, una isla lingüística que supo preservarse a pesar de la presión política, guerrera y demográfica que sufrió sin interrupción alguna. Situada en una zona de encuentro de los distintos imperios que se crearon y descrearon a través de los siglos, la identidad rumana, marcada por la lengua y por la religión (que no era la católica propia de los latinos, sino la ortodoxa de los que hablaban otras lenguas básicamente eslavas) supo mantenerse invicta aunque casi siempre bajo el yugo de los imperios dominantes.

Tres zonas parecen ser las definitorias de este país complejo y repleto de minorías que conviven entre si: Balakia en el sur, Moldavia en el noreste y Transilvania en el corazón del país, un remanso de paz geológica en medio de los poderosos Cárpatos que la rodean por todas partes. Una zona disputada históricamente por húngaros, alemanes, polacos y austríacos, a causa de sus riquezas.

Bucarest es una ciudad que muestra esta suma de influencias y de contrastes. La claridad mediterránea de influencia griega, turca y lejanamente romana, aparece empañada por los alientos fríos que llegan del norte húngaro, alemán, ruso y ucraniano. El otro aliento que la cruza es el “balcánico”, extraña palabra que los mismos pueblos balcánicos rechazan por lo general y que sin embargo sirve para expresar esta mezcla contradictoria y compleja de los que habitan en los actuales países de Albania, Croacia, Eslovenia, Serbia, Bosnia y Grecia, más las partes búlgaras y húngaras que le corresponden.

El Parlamento, colosal palacio fruto del
delirio de Ceaucescu
Ciudad de mezclas y de sincretismo, en sus momentos gloriosos e ilustrados, que fueron sobretodo los años entre las dos guerras mundiales, miró siempre a Europa y sobretodo a París, arquetipo de ciudad libre, soberana y culta para los rumanos. En la época comunista no tuvieron más remedio que mirar hacia Moscú, lo que se nota en las huellas arquitectónicas dejadas, con sus conocidos rasgos de fea factura sovietizante. Hoy, que han entrado en la Unión Europea, creo que todavía no saben muy bien hacia dónde mirar y reflejarse, si París, Londres, Nueva York o Berlín. Poco importa, desde luego, dada la uniformidad hoy existente en el mundo. Asismismo, la extraña situación actual de Europa, inmersa en la incertidumbre, no ayuda a situar estos modelos.

¿País pobre? Sin duda, pero con una de las reservas de oro más importantes del mundo, gracias a las mismas minas que los romanos y luego los turcos y los austrohúngaros no pudieron esquilmar, dada la riqueza de las mismas. Situadas en Alburnus Maior (nombre romano de las minas), en la zona de Rosia Montana, en los Cárpatos transilvanos del oeste, son hoy disputa callada de las potencias que quieren poner mano a estas reservas fabulosas. Concretamente, la multinacional canadiense Gabriel Resources Ltd está empeñada en conseguir la explotación de la mina, con gran peligro ecológico de la zona. Las protestas contra el proyecto son constantes. Sin duda de la capacidad que tengan los rumanos y sus políticos de defenderse de este acoso y de mantener el control de las minas y de su extracción, dependerá el futuro y el bienestar de sus pobladores.

Encuentros gratificantes

En el último día en Bucarest, tuve dos sorpresas a modo de encuentros que culminaron mi estancia en Rumanía de un modo muy agradable.

Marek Waszkiel, Calin Mocanu y Toni Rumbau
El primero fue encontrarme de nuevo con Marek Waszkiel, director del Bialystok Puppet Theatre de Polonia, figura eminente dentro de Unima y un reconocido estudioso de los títeres, viejo amigo mío al que no veía desde hacía muchísimos años. Vino invitado por el Festival para dar una ponencia sobre el tema del Teatro Europeo de Animación para Adultos, con proyección de imágenes y centrándose en creadores como Duda Paiva, Frank Soehnle, Michael Vogel, Fabrizio Montecchi, entre otros. Por desgracia no pude asistir a la misma –mi avión partía por la mañana del mismo día– pero me permitió restablecer un contacto que se había perdido en el trajín de los años.

El segundo fue conocer y charlar largamente con el cantante y director de teatro de títeres Traian Savinescu, de la ciudad de Cluj-Napoca, en el corazón mismo de Transilvania. Vi una obra dirigida por él durante el Festival titulada “La Historia del Cerdo” inspirada en un cuento tradicional rumano, una producción del Teatro Tandarica, que me impactó por el ritmo, las danzas y la música utilizada en la misma. Con una brillante interpretación de todo un elenco de siete actores, el espectáculo mostraba la extraordinaria vitalidad de la cultura popular rumana. Las impactantes máscaras de diablos bailando el delirante ritmo de los violines de la región de Maramures (al norte de Transilvania) fue uno de los momentos más impactantes del espectáculo.

Hablando con Traian Savinescu, quién curiosamente ha sido cantante profesional de coro sinfónico, comprendí muchas cosas sobre el país y sobre la región de Transilvania. Datos que, junto a los conocidos a través de Gavril Cadariu, de la ciudad de Târgu-Mureş/Marosvásárhely, de Raluca Tulbure, del mismo Daniel Stanciu y del director del Teatro Tandarica, Calin Mocanu, me han ayudado enormemente a situarme respecto a este gran y deconocido país que es Rumanía.

jueves, 1 de diciembre de 2011

Vasilache y Marioara, los personajes polichinescos de Rumanía


Vasilache y Marioara de Daniel Stanciu
El viaje a Bucarest, además de mi participación en el Festival del Teatro Tandarica con el espectáculo “A Manos Llenas”, debe enmarcarse también dentro del proyecto de mis Rutas de Polichinela, que me lleva por las principales ciudades de Europa en busca de los personajes de los teatros populares de títeres, con la finalidad de relacionarlos con las ciudades de las que son oriundos y ver de qué modo ambos, ciudad y personaje, se explican mútuamente.
En la tradición rumanesa, los personajes son Vasilache y su esposa Marioara (María en rumanés). Personajes que, como suele ocurrir en tantos lugares, han desaparecido prácticamente, pero que siguen viviendo en los inconscientes colectivos de los pueblos y que, en muchas ocasiones, sobreviven o renacen de la mano de titiriteros interesados en ellos.

Daniel Stanciu y su Pinoho
Tuve la suerte en Bucarest de conocer al marionetista que en los últimos tiempos ha recuperado esta tradición y que en el Festival del Teatro Tandarica presentó su trabajo. Se trata del actor, titiritero y director Daniel Stanciu, quién también es profesor de la Universidad nacional de Artes Teatrales y Cinematográficas de Bucarest. Su historia es harto peculiar e ilustra los distintos caminos por los que estos personajes de la tradición pueden renacer un día de sus cenizas y actuar de nuevo por los escenarios del mundo. En el caso de Daniel Stanciu, fue su interés por el personaje lo que provocó que su profesor en la universidad le animara a dedicar su tesis doctoral sobre el tema, con la condición ineludible de juntar la investigación con la práctica, es decir, de crear un espectáculo de Vasilache según los cánones de la tradición. Algo nada fácil, pues en aquel momento prácticamente ya no quedaba ningún titiritero en activo –aunque sí vivo, el señor Mocano– y sólo se podía partir de las descripciones más algunas filmaciones importantísimas del último gran Vasilache, llamado Borţea.

Ya hace años que Daniel Stanciu acabó su tesis (convertida hoy en libro) y que se dedica profesionalmente al teatro, trabajando como actor en el Teatro Tandarica y también como director freelance y con su propia compañía. Pero la labor iniciada con Vasilache sigue vigente, actuando con el personaje siempre que se presenta la ocasión. En realidad, las ocasiones son pocas, por una simple razón: Vasilache, como sus otros primos hermanos diseminados por las ciudades de Europa, no es un espectáculo para niños sino más bien para adultos o, en todo caso, para público mixto, familiar o callejero. Un género, pues, al que no le sobran espectadores.

Su principal especificidad estriba en el diálogo que Vasilache entabla con un personaje exterior, un actor que ejerce de animador  y de hablador –se le llama Sprech, palabra derivada del alemán y que significa narrador– y cuyo cometido es traducir lo que dice Vasilache y ejercer de intermediario con el público. La “traducción” se hace imprescindible a causa del uso de la “lengüeta”, este artilugio que distorsiona y amplifica la voz, pero también la hace más confusa y a menudo incomprensible. Este recurso al actor que interactúa entre el personaje y el público lo he visto también en algunas representaciones del Petrushka ruso, y estoy seguro que sería utilizado en muchos otros casos.

Me va contando Daniel Stanciu todos estos rasgos de Vasilache mientras comemos en un restaurante de comida tradicional rumanesa en el centro histórico de la ciudad. Los ragos son muy parecidos a los de otras tradiciones como el mismo Punch and Judy, pero con particularidades específicas. Los personajes son los siguientes: Vasilache, el héroe respondón y satírico, que se burla de todo y de todos, y su esposa Marioara, con cara de perpetuo mal humor aunque el baile entre ambos es algo que no falla y se repite varias veces; el diablo que en rumanés se llama “Diavol” o “Drac”, el Jendarm (el policía), la Moartea (la muerte), el Cura, el Spiţerul (el doctor) y el Câinele Pàmântului (el perro “que sale de la tierra”). La figura del perro es curiosa y singular, pues hace referencia a un animal que procede de las entrañas de la tierra, como si fuera un ser de la profundidades que surge para llevarse consigo a Vasilache. Ejerce pues en cierto modo de verdadera muerte, pues los espectáculos solían terminar así, con el perro telúrico mordiendo la nariz del héroe y llevándoselo a las profundidades del subsuelo. Algo que Daniel Stanciu ha cambiado, pues nadie entendería un final tan rotundo y, para las mentalidades actuales, ciertamente inexplicable.

Como puede verse, un personaje con unas relaciones complejas con sus colegas de escenario, y que se expresa siempre en directo pero con la ayuda del Sprech que desde fuera interpreta y traduce al público las ocurrencias y los clarividentes disparates del protagonista. Como es lógico, la gracia del texto está en los equívocos y en los juegos de palabras, sobretodo en el doble sentido de muchas de ellas, algo a lo que el Rumano se presta enormemente, según me cuenta Daniel.

Organillo en una calle de Bucarest
El calor del vino y de la comida realzan las imágenes que van surgiendo de las palabras del titiritero rumano, de modo que al salir, sólo esperamos encontrar en la calle a algún fantasma surgido del pasado con su retablo bien puesto en una esquina mientras un animado Sprech, provisto de algún acordeón o tambor, nos obliga a detenernos. El frío nos saca pronto la falsa esperanza, pero la realidad, que siempre supera la ficción, nos sorprende con una imagen que aun sin retablo alguno, podría ejercer perfectamente de reclamo para un espectáculo de Vasilache: un señor con un organillo bautizado Teatrul de Comedia, con dos loros y dos ratoncitos corriendo por su sombrero, parece que nos espera en una placita de la calle peatonal. Lo más curioso es que la música que sale del organillo es la misma que utiliza Daniel para su espectáculo de Vasilache. ¡Fascinante coincidencia! Nos detenemos y charlamos con el artisa callejero, al que le damos unas monedas y posamos junto a su hermoso carrito, con los loros incluídos.

Daniel Stanciu y el señor del organillo, los loros
y los ratoncitos.
El día, después del largo paseo por Bucarest y con Vasilache aun rondando por la cabeza, no podía ser más idóneo para mis Rutas de Polichinela. Ha llegado la hora de despedirnos y Daniel, antes de partir, me ofrece una copia de un video con un reportaje histórico sobre Vasilache narrado por el último titiritero llamado Borţea que lo ejerció. Un regalo que me guardo para rematar esta jornada polichinesca en la noble ciudad de Bucarest. 

Daniel Stanciu y Toni Rumbau en Bucarest

Representación en el Teatro Tandarica de Bucarest


Fachada del Teatro Tandarica
Ha sido un honor participar en el Festival que organiza el Teatro Tandarica de Bucarest, en Rumanía, un teatro que cumple 66 años de existencia (fue creado en 1945). Una institución clave para entender la historia del teatro de marionetas europeo de los últimos cincuanta años.

Fundado por Lucia Colomeri (directora), Elena Patrascanu (directora artística), Alexandru Bratasanu, Leno Constante y Ileana Popescu (diseñadores) y Nicolae Massim (director), Tandarica es declarado en 1949 teatro institucional y su dirección queda en manos de Margareta Nicolescu, quién revoluciona la línea artística y eleva el nivel de los espectáculos a grandes alturas, convirtiéndose en un verdadero laboratorio de creación. En 1978 recibe el premio Erasmus, junto con Ives Joly, Bread and Puppet y la Marionetística.

Se comprende que la aureola de prestigio que distingue a este teatro sea grande y que tanto sus espectáculos como sus festivales sean siempre seguidos por enorme interés por los especialistas y los entendidos en la materia.

La razón de mi presencia en Bucarest se debe a que el director general del Teatro Tandarica, Calin Mocanu, vio mi espectáculo “A Manos Llenas” este verano en el Festival de Okinawa, en Japón, tras lo cual decidió invitarme al Festival del Teatro Tandarica.

Debo decir que la función realizada de "A Manos Llenas" el 29 de noviembre ha sido todo un éxito, con un público entregado y muy participativo, básicamente adulto. El jurado del Festival me otorgó el Premio al Mejor Espectáculo  Solista, lo cual es un verdadero honor viviendo de dónde viene. Por cierto, se estrenó en el rol de técnico Gerardo Israel Chóez Quinde, quién cumplió sin tacha su cometido.

Trabajando con Raluca Tulbure en el Tandarica Teatro
Toca hablar ahora de Raluca Tulbure, dramaturga del teatro y encargada de las relaciones internacionales, quién nos recibió con extraordinaria amabilidad y simpatía, pieza clave en el complejo engranaje del Festival. Ella me ha introducido al mundo de Vasilache, el personaje que en Rumanía ejerce su función polichinesca, poniéndome en contacto con Daniel Stanciu, quién presentó en el Festival un espectáculo tradicional del teatro de títeres popular rumanés. Hablaré del tema en una próxima entrada. 

Tuve ocasión también de hablar con Gavril Cadariu, director del Teatrul Ariel, de la ciudad de Târgu-Mureş/Marosvásárhely, situada en el corazón de Transilvania, dónde coexiste una doble comunidad rumanesa y húngara. De hecho, el teatro aloja dos compañías diferentes, una de cada comunidad, con excelentes relaciones entre si. Profesor de teatro en la Universidad de la misma ciudad, charlamos sobre futuros proyectos de colaboración e intercambio que ojalá acaben produciéndose.

Coloquio después de la función

 El viaje ha sido posible gracias a la ayuda otorgada por el Institut Ramon Llull, pieza fundamental en el desplazamiento de tantos artistas catalanes en el extranjero.

viernes, 25 de noviembre de 2011

Citizen, de Chévere, en Temporada Alta


Imagen de la obra
Tenía pendiente estos días hablar de CITIZEN, la obra que los de Chévere, de Santiago de Compostela, presentaron en su versión íntegra en la Sala Planeta de Girona, en el marco del festival Temporada Alta.Viejos amigos míos, aunque no sean titiriteros, su trabajo siempre me interesó por la calidad visual, conceptual y el humor de sus propuestas.

Vi la primera parte en la NASA, la sala que tenían los de Chévere en Santiago (digo “tenían”, porque según me contaron, tuvieron que cerrarla por imperativos político-económicos insalvables) y me encantó la obra. Entonces todavía no habían estrenado la segunda y tercera parte, pero me quedaron unas ganas tremendas de ver como resolverían tan ambicioso proyecto.

Para quién no sepa de qué va Citizen, tan sólo decir que está centrada en la figura de Amancio Ortega Gaona, el creador de Zara, quién aparece sin aparecer, pues en realidad se le subtituye por otro personaje con el nombre de Arsenio O. Para ello, los autores han realizado un sofisticado trabajo de teatro dentro del teatro, en el que los actores entran y salen constantemente de sus personajes, creando un juego especular y de distanciamiento de una gran eficacia. Con dirección de Xesús Ron, textos de Manuel Cortés y la intervención de actores de gran categoría como Patricia de Lorenzo, Miguel de Lira, el mismo Manuel Cortés, Mónica García, Arantza Villar, Nekane Fernández e Iván Marcos, CITIZEN hace referencia y parodia en cierta manera a modo de homenaje la conocida película de Orson Wells Citizen Kane realizada en 1941.

Constaté que mientras en la primera parte, la intención era más la de mostrar una visión de la historia de España y de Galicia de los últimos treinta años, en la segunda y tercera parte la acción se centra más en las consecuencias humanas y psicológicas del mundo empresarial creado por Arsenio O., a través de la figura de Sara, el personaje femenino que aparece en la primera parte, y luego del hijo de la misma, que también lo es de Arsenio O.

Dos partes substancialmente diferentes a la primera, a mi modo de ver, ésta más abierta a una mirada dotada de perspectivas sociológicas e históricas de la España de la primera Transición, y las otras dos centradas en aspectos también sociológicos, pero en los que prima más lo psicológico y las referencias personales de Sara.

Lo más interesante de la propuesta es el juego escénico con el que los actores se introducen en sus personajes para salir luego de ellos, como si de un guante se tratara,y todo mediante un constante uso de referencies contemporáneas en cuanto a los lenguajes utilizados. Entre la primera y la tercera partes, ambas enmarcadas por el uso del video y luego de los ordenadores y de la conexión en directo a través del chat, la segunda parte se recrea más en un registro naturalista con la presencia en el escenario de seis verdaderas máquinas de coser eléctricas que reproducen el taller dónde trabajan Sara y sus emprendedoras amigas. Como contrapunto, el extraordinario trabajo de Miguel de Lira en el papel del cura que además de cumplir con la Iglesia cumple con otros intereses más mundanos. Lástima que sea breve y que sus intervenciones no se prodiguen más –su tono llano y de una sutil aunque feroz socarronería es de una eficacia extraordinaria. Pero el ritmo de la obra tiene que ser vertiginoso para poder abarcar sin sobrecargarse las tres fases de la obra.

El conjunto crea un curioso vaivén de lenguajes y registros, en los que sobresale el tono crítico, inteligente y mordaz de los actores, capaces de metamorfosearse en sus distintos personajes mientras la realidad del país se va desplegando ante los ojos atónitos del público. Creo que el gran acierto de la trilogía es cómo se retrata con lucidez y visión crítica la realidad cambiante de nuestro país, desde las etapas de la primera Transición, el hinchamiento de las grandes burbujas especulativas, hasta el pinchazo y descalabro financiero actual. En efecto, al final de la obra, las referencias a la crisis financiera hechas a través de los corrosivos e inteligentes diálogos entre Arsenio O. y si hijo Iván coronan el desenlace casi melodramático con el que los de Chévere dan expresión a su compromiso con el arte y con el momento histórico en el que vivimos.

Sobre el trabajo de los actores, hay que destacar sobretodo a los dos que cruzan la obra de principio a fin, Patricia de Lorenzo y Manuel Cortés, geniales ambos en su constante entrar y salir de sus papeles, a los que se van sumando los demás ya citados con actuaciones de gran calidad y eficacia. La dirección de Xesús Ron, excelente y de una inquietante creatividad.

Un gozo ver los tres espectáculos que el público de Girona acogió con sonoras carcajadas, amargas reflexiones y muchos aplausos. Los de Chévere, aún sin La Nasa, tienen cuerda para rato.

Por  cierto, adjunto un enlace con el canal de videos de Chévere dónde puede verse parte del trabajo que efectúa esta compañía única en su género: http://redenasa.tv/video/ill-be-watching-you-a-construcion-do-xenero-a-traves-da-musica-comercial/

jueves, 17 de noviembre de 2011

Mester Jakel en Dyrehausbakken

Lilo Skaarup y un títere del repertorio de Mester Jakel
de su colección particular (el policía)
Empeñado en encontrar los rastros del polichinela danès o, mejor dicho, del personaje que encarna en Dinamarca el espíritu rebelde y libertario de Pulcinela, llamado Mester Jakel, he sido conducido por Lilo Skaarup al parque de atracciones de Dyrehausbakken, situado a las afueras de Copenhague.

La zona es francamente hermosa y de hecho constituye un parque natural lleno de bosque en una zona del cual se levanta un palacio de la casa real danesa, hoy sólo utilizado para ceremonias puntuales con invitados de alto rango. En la entrada del parque se encuentra el complejo propiamente dicho de entretenimiento, repleto de atracciones, barracas de feria, restaurantes, bares, montañas rusas, artefactos para excitar el sistema nervioso simpático de los adolescentes, etc. Por desgracia, estaba hoy todo cerrado e inactivo, pues el parque funciona sólo en verano, pero aún así fue hermoso ver las maquinarias quietas, las casetas cerradas, las plazoletas desiertas... El tiempo frío y los colores otoñales daban al conjunto una calidad estética de alto voltaje, con montañas de hojas secas cubriéndolo todo, como si las atracciones y el conjunto del parque celebraran su particular homenaje al tiempo, ese que no se salta las estaciones y que se rie de la uniformidad sincrónica de los relojes del mundo. Por mucho que los aviones salgan y lleguen a hora, el otoño se regodea en Dinamarca, preparando la llegada del crudo invierno, con sus escasas horas de sol y sus metros de nieve en las calles.

Cartel del Pierrot de Dyrehausbakken
Digo eso porque el espectáculo de las atracciones en paro era realmente grandioso, enriquecido sobretodo por el silencio de no estar las casetas en marcha. Tras haber estado ayer en el Tívoli, bien activo en su actividad decibélica, el silencio de Dyrehausbakken ha sido la mejor manera de escuchar, desde la imaginación no condicionada por ruido alguno, la música del verano que se fue hace meses.

Tenía razón Lilo Skaarup de querer llevarme a este sitio: sólo aquí he llegado a comprender la curiosa asociación que existe entre el personaje de Pierrot y el Mester Jakel. Por lo visto, uno de los personajes más famosos de Dyrehausbakken -y también del Tívoli- es Pierrot, representado por un actor y que se encarga de hablar a los niños, de hacerlos reir, de sacar fuego por la boca, de cantar canciones. Tan famoso se ha hecho este personaje, que ha sido declarado embajador de la Unesco. Se lo ve un poco en todas partes, por ejemplo en los carteles de cualquier parada anunciando tal o cual número o atracción. Pero lo curioso es que tiene una casa propia, es decir, vive en el mismo parque de atracciones. Allá lo van a ver los niños, y para ellos realiza algún divertimento. Pero además de todas estas funciones, Pierrot se encarga también de hacer los títeres y, muy concretamente, de representar a Mester Jakel. Para ello existe un teatrillo fijo, consistente en una barraca de madera un poco a modo de los retablos del Punch inglés, con una ventana que al abrirse se convierte en el escenario. Lo vimos cerrado, pero al lado un cartel explica la longevidad de esta tradición de títeres, desde cuando se representa, etc. Delante del retablo, unos troncos de madera para que se sienten los niños y una amplia esplanada para que el público se instale con comodidad a su alrededor.

El retablo de Mester Jakel con Lilo Skaarup
Como dije, el retablo estaba cerrado, pero pude imaginarme los gritos y la interacción de Mester Jakel con el púlico, siendo ésta una de sus características principales. Por cierto, el nombre del actual actor que hace de Pierrot y se encarga asimismo de representar a Mester Jakel es Kurt Flemming. Su hija Sine Andersen es, por lo visto, una ventríloqua excelente. Adjunto unas fotografías sacadas in situ que darán una idea más aproximada de la visita efectuada hoy.

La casa de Pierrot
Después, fuímos a tomar algo en un restaurante que había en el parque, el único abierto en los alrededores, dónde pudimos charlar sobre todo lo visto.

Por la tarde, me acerqué al Folketeatret, en la calle Norregade dónde está expuesta una preciosa colección de teatrines de cartón y papel, una tradición que siempre gozó en Copehnague de mucho prestigio. La casa que los confeccionaba cerró y menos mal que los actores del Folketeatret decidieron acoger su colección y mostrarla al público interesado.

Adjunto un par de imágenes que pude sacar de los teatrines.




Guignol de papel
Interior de un decorado

Tras las huellas de Mester Jakel

Entrada al Tívoli
Venir a Copenhague para buscar a Mester Jakel es lo propio y lo correcto. Lo que no quiere decir que sea fácil, pues en la actualidad prácticamente ha desaparecido del mapa y sólo se le encuentra durante la estación veraniega en el Dyrehausbakken, un parque de atracciones situado a unos quince quilómetros de la capital.

Me lo contaba Lilo Skaarup ayer cuando nos encontramos en el Tivoli para charlar precisamente sobre el personaje. Ha sido una gran suerte haber conectado con Lilo, seguramente la persona que más sabe sobre este tema en Dinamarca. Dedicó su tesis doctoral de Historia del Teatro al personaje de Mester Jakel y desde entonces no ha cesado de investigar sobre el mismo.

Lugar dónde se representaba Mester Jakel en
el Tívoli de Copenhague.
Antiguamente, había tres lugares dónde se representaba a este personaje tradicional emparentado con la máscara de la Comedia del Arte Pulcinella a través del Punch inglés, del Chanchez de Liège y del Kasperl alemán: el famoso parque de atracciones de Copenhague llamado Tívoli, los Jardines del Rey y el ya nombrado parque Dyrehaus Bakken. Lo curioso es que el titiritero que lo presentaba siempre iba vestido de Pierrot, personaje tardío de la Comedia del Arte, una tradición que el actual titiritero que lo practica sigue acatando.

Con un repertorio parecido al del Punch o al del Kasperl (con los personajes habituales del Diablo, la Muerte, el Policía, el Perro, más su mujer Rosalie), podría decirse que era algo más pacífico que su compadre inglés, aunque por las temáticas tratadas tampoco creo que lo fuera mucho más. Lo que sí es cierto es que a partir de principios del siglo XX y coincidiendo con la aparición del cine, Mester Jakel fue perdiendo su garra irreverente y se acabó especializando para el público infantil.

Tiovivo en plena acción en el Tívoli
¿Hay que pensar por ello que está muerto? En absoluto. Sigue viviendo en el imaginario colectivo de la cultura danesa y especialmente de la ciudad de Copenhague, y no me extrañaría que en cualquier momento algún titiritero ducho e inspirado se lance a recrear al personaje, dándole las variantes de actualidad que el momento requiere.

Hoy Lilo Skaarup me va a acompañar al Dyrehaus Bakken, dónde se sigue representando Mester Jakel. El parque ya está cerrado -no así el Tívoli, que abre por las Navidades- pero aún así podré ver el escenario dónde el personaje continúa, verano tras verano, haciendo de las suyas.

miércoles, 16 de noviembre de 2011

Copenhague

Mester Jakel
København para los daneses, es una de las ciudades del norte europeo que más impresionan. Llegué a ella en tren desde Silkeborg, tras actuar en su Festival. Recomendable hacerlo así, pues la estación central se encuentra en el centro mismo de la ciudad, junto al Tívoli, el famoso parque de atracciones. 


Conozco Copenhague desde hace mucho tiempo. Incluso llegué a vivir en ella a principios de los setenta, cuando Mariona obtuvo asilo político en Dinamarca a raíz de ciertos desencuentros con la policía política franquista. Dos años absurdos de cárcel que ella prefirió ahorrarse. Así empezó nuestra andadura por el mundo, que para mi todavía no ha terminado. 


La razón de mi estancia es indagar sobre el personaje que aquí representa a Polichinela: Mester Jakel. Poco se sabe de él, sobretodo porque son pocos, por no decir ninguno, quiénes lo representan en los escenarios. Para saber de él y de sus realidades actuales y pasadas, me reúno hoy con Lilo Skaarup, la persona que más sabe sobre el asunto. Ella redactó la entrada correspondiente a Mester Jakel en la Encyclopédie Mondial de la Marionnette pero además ha seguido investigando sobre el personaje, de modo que es la persona imprescindible para avanzar en mi proyecto de Rutas de Polichinela.


Seguiré informando pues en cuanto haya novedades.

domingo, 13 de noviembre de 2011

El Festival de Silkeborg, en Dinamarca.

Sombras de Richard Bradhow
Esta semana ha tenido lugar el Festival de Silkeborg, en Dinamarca, que este año ha cumplido su 25 aniversario. He tenido la suerte de participar en él, compartiendo teatro con el maestro Richard Bradshow y la verdad es que he disfrutado tanto de las actuaciones propias como de las vistas en otros espacios. No citaré aquí a todas las compañías participantes (el interesado puede consultar la programación clicando aquí), pero sí las pocas que he podido ver.

En primer lugar, ha sido un enorme placer gozar del virtuosismo del sombrista australiano Bradshow, que com siempre me ha maravillado con sus números tan magníficamente elaborados. También pude ver un fragmento del espectáculo inaugural, ”Homage a Chagall", a cargo de la compañía Teatro Groteska, de Krako, Polonia, que encandiló al público con una cascada de imágenes que buscaba expresar la vida del famoso pintor y su intensa historia de amor con su esposa Bella.

Títere de Eric Bass
Hoy he visto a la compañía del maestro americano Eric Bass (Sandglass Theater) con su espectáculo "Autumn Portraits", en el que Bass hace alarde de todo su oficio y su dominio de las tablas, con una interpretación excelente tanto en la manipulación como en las voces. Se trata de una succesión de esqueches  unidos por la temática de la dualidad títere/manipulador, con números realmente antológicos, como el del zapatero que recibe la llamada del Ángel de la Muerte.



Los tres cerditos
Después vi a la compañía danesa De Rode Heste con Los Tres Cerditos, una obra a cargo del titiritero solista Lene Norup, de una gracia infinita y un buen humor socarrón e inteligente. También he asistido a la representación de la compañía de Marionetas do Porto de la obra "Wonderland", un trabajo muy elaborado de esta compañía que hasta hace un año, estaba dirigida por el fallecido Joao Paulo Cardoso. Y finalmente, el ejercicio de final de curso de Astrid Kjaer Jensen "Lilith", un refinadísimo espectáculo hecho sólo con las manos sobre el matrimonio.

El Festival, cuyos artíficies son Ulla Dengoe y su marido Poul Dengsoe, es de los que invitan a la convivencia y al diálogo, tanto con los artistas como con los programadores presentes. Entre otros estaban Rute Ribeiro y Luís Vieira, de Lisboa, con los que he podido compartir gratificantes momentos y largas conversaciones, siempre dirigidas hacia nuevos proyectos e ideas. También encontré al senyor Sugita y a su esposa, de Osaka, Japón, con los que compartí de nuevo gratos recuerdos y comentarios sobre multitud de cosas.



lunes, 24 de octubre de 2011

POLZET, la nueva obra de Pa Sucat

Imagen de la obra
Día de estreno el sábado 22 de octubre en el Teatro Nacional de Cataluña con Polzet (Pulgarcito), el célebre cuento del escritor francés Charles Perrault, que la compañía de Valls Pa Sucat puso en escena a modo de celebración de su 25 aniversario. Una propuesta ambiciosa y arriesgada, pues la obra se representó con música en directo original de Jesús Rodríguez Picó a cargo de un cuarteto dirigido por Marc Moncusí y una compleja puesta en escena firmada por Lluís Graells que incorporó sombras, video y una escenografía diseñada por Eudald Ferré, autor también de los títeres y del vestuario.

La propuesta revela la madurez de los titiriteros de Pa Sucat, ansiosos de enfrentarse a textos complejos y de ofrecer soluciones también complejas pero desde nobles posiciones de síntesis, pues todo se resuelve con tres únicos actores-manipuladores: el mismo Eudald Ferré en el papel de Pulgarcito (encargado asimismo de manipular a sus seis hermanos), Jordi Jubany en el papel del Padre Leñador y del Ogro, y Dolors Sans en el de la Madre y de la Mujer del Ogro. Creo que el gran acierto del montaje es precisamente el desdoblamiento del trío de actores, que llegan a triplicar sus roles manteniendo una coherente correspondencia dramatúrgica entre ellos, gracias al ardid de enmarcar el cuento en una familia de comediantes de la legua cuyos miembros encarnarán a los distintos personajes de la obra. Un trabajo dificilísimo que Pa Sucat resuelve de un modo admirable gracias al gran oficio del titiritero Eudald Ferré y a la experiencia y buena técnica de los otros dos actores-manipuladores.

El montaje no rehuye la crueldad ni el dramatismo del cuento aunque lo dulcifica visualmente al evitar un tratamiento “gore” de las escenas. También ayuda el recurso dramatúrgico al lenguaje del “cine mudo”, que permite la exageración dramática sin caer en lo escabroso. Para ello, la música de Rodríguez Picó se instituye como un factor determinante, al otorgar desde el principio hasta el final unidad poética y coherencia narrativa al conjunto. Un trabajo excelente el suyo, bien ajustado a su cometido, que hila la obra con elegancia rítmica y sonora, y que la eleva hacia alturas dónde ni el gesto ni la palabra podrían llegar.

Por cierto, la reivindicación del Polzet, ¿no es acaso la reivindicación de lo pequeño y de lo socialmente insignificante, que para sobrevivir debe usar todo su ingenio más el principio de solidaridad hacia sus pares, por muy arrogantes y desdeñosos que éstos sean? En una época como la nuestra, en la que los individuos debemos enfrentarnos a la humillación constante infringida por bancos, gobiernos y grandes corporaciones, la moraleja de este cuento constituye una buena inyección de optimismo y de energía positiva, algo aplicable a todo lo pequeño, desde el mismo teatro de títeres frente al Gran Teatro, las regiones y los países pequeños frente a los imperios y a las grandes naciones, los socialmente "prescindibles" frente a los ricos y poderosos, las pequeñas empresas frente a las gigantes, etc. En este sentido, la moraleja del Polzet es de una actualidad apabullante. Una sana actitud que además no se anda con chiquitas, pues a la hora de sobrevivir y de salirse con la suya, no valen remilgos ni se evitan los ineludibles sacrificios de la imbecilidad.

Parece que Pa Sucat, para celebrar su aniversario, ha querido ponerse “las botas de siete leguas” de la audacia titiritera, dando saltos cualitativos que apuntan directamente hacia el futuro. Un magnífico arranque que enlaza con su ya dilatada carrera.

lunes, 17 de octubre de 2011

El Festival GUANTde Valls

Cartel del Festival GUANT
Del 14 al 23 de octubre tiene lugar en la ciudad tarragonina de Valls el Festival GUANT. Dirigido y organizado por el grupo Pa Sucat, celebra este año su séptima edición con un programa que ha sorteado los recortes (abundantes, por lo visto) y que se afianza como uno de los más interesantes de los que se celebran en Cataluña. 20 compañías son un número importante. Entre ellas, cuatro presencias internacionales: el reputado ChonChon de Argentina y Chile, tan querido por el público catalán, con "El Enmazcarado", Robert White de Argentina con sus impresionantes números visuales, Malgosia Szkandera de los Estados Unidos con una refinada propuesta para adultos y el TAP Ensemble, de Italia, con el estreno de "Don Giovanni in carne e legno", una interesante combinación de guaratelle napolitanos y actores.

Abrió el Festival la veterana compañía de Vilanova i la Geltrú L'Estaquirot Teatre con su aplaudido "Ploramiques" que se presentó en el recoleto Teatro Principal de la ciudad. El sábado 15 por la noche pudo verse también el espectáculo "Palòodrom" del grupo Pengim Penjam, otro histórico de Cataluña que presentó esta arriesgada propuesta para adultos de un teatro poético que juega con elementos sencillos y primordiales como son pechinas, piedras, arena, caracoles... Grupos como Desguace Teatro de Sevilla, Anita Maravillas, Forani Teatre, Mercè Framis, Ne Me Títere Pas, el mismo Pa Sucat, Disset Teatre, el Señor de las Bombillas, Galiot Teatre, Txo Titelles, Laitrium, Companyia B, Cia Am-Art, y yo mismo, completaron la programación.

Esperemos que la consolidación de GUANT siga recibiendo los apoyos que hasta ahora ha tenido, tan merecidos como indispensables para la salud titiritera de nuestro teatro. Más información aquí.

jueves, 29 de septiembre de 2011

Recordatorio del Curso “Crear una Obra. Títeres, sombras y objetos”


Imagen de Carmen, espectáculo de
La Fanfarra
Del 24 al 28 de octubre
Información técnica aquí.

¿Cómo encarar la creación de una obra?  ¿Tenemos claro lo que queremos cuando nos planteamos un nuevo espectáculo? ¿Existen caminos o procedimientos que permitan orientarnos en el tremendo desafío que siempre representa crear una nueva obra?

Preguntas que buscarán respuesta en este curso en el que Toni Rumbau intentará destilar su experiencia de más de 35 años de profesión compartiendo enfoques, procesos y herramientas de organización del trabajo titiritero.

Para ello se aplicará un escalonamiento de siete procesos distintos pero sucesivos, complementarios y necesarios, que deberán concluir con la presentación de una pequeña obra el último día.  Un trabajo que combinará constantemente práctica y reflexión, y que nos llevará por los distintos compartimentos de la creación escénica.

jueves, 22 de septiembre de 2011

CURSO SOMBRAS, TÍTERES Y OBJETOS: crear una obra

Tras la pantalla. Taller realizado en Beirut, mayo 2011
- Octubre 2011. Del lunes 24 al viernes 28.
- 5 días de duración
- Horarios: de 16h a 21h
- Total horas: 25
- Lugar: La Mona de Seda. Barcelona

¿Cómo enfrentarse a la creación de una obra  que junte autoría personal con el lenguaje del teatro de títeres, sombras y objetos? Desde la subjetividad del creador, pasando por las disciplinas del desdoblamiento, la dramaturgia sintética de los lenguajes populares de títeres y sombras, la multiplicidad del lenguaje artístico contemporáneo, hasta llegar al rito de la representación ante el público. 

El curso ofrece a los interesados una metodología de pasos sucesivos y articulados, que deberán culminar en la práctica combinada del “teatro interior” de sombras con el “teatro exterior” de títeres y objetos. 

 Dualidades claves:
     Interior / Exterior
     Tradición / Modernidad
     Subjetivo / Objetivo
     Sombras / Títeres

El curso está dirigido tanto a principiantes como a profesionales, sean titiriteros, actores, maestros, artistas plásticos u otras personas relacionadas con el teatro y la imagen.
Para ver información sobre Toni Rumbau, pulsar aquí.

Algunos textos de referencia sobre contenidos relacionados con el curso:
- “Función en Trípoli. Semejanzas y diferencias entre Polichinela y Karagöz”, publicado en el blog de Rutas de Polichinela.
- “Títeres y sombras: dos herramientas de conocimiento”. Publicado en el fanzine peruano “Mil Vidas”, que dirige Martín Molina.

El espíritu libre, rebelde y heterodoxo de Polichinela se encarna y se manifiesta en las tradiciones populares de títeres y sombras del mundo entero. Un espíritu que, más allá de las distintas tradiciones y sus especificidades, despliega unas líneas dramatúrgicas que miran hacia el futuro: útiles herramientas para el teatro de hoy. 

Este curso invita a conocer estas herramientas a través de una práctica que se hará según siete fases metodológicas de desarrollo en función de un objetivo claro: la creación de una obra que junte el mundo subjetivo de las sombras con la dimensión objetiva de lo que se puede ver y tocar. 

Más información aquí

martes, 20 de septiembre de 2011

FOCUS CATALAN en el Festival Mundial de Marionetas de Charleville-Mézières

Cataluña y las Islas Baleares se visten de gala en el gran Festival Mondial des Théâtres de Marionnettes que se celebra del 16 al 25 de septiembre en Charleville-Mézières, con la programación de diez compañías catalanas y mallorquinas gracias a la ayuda ofrecida por el Institut Ramon Llull.

La ciudad de Arthur Rimbaud se transformó en el año 1961 en una ciudad dedicada a las marionetas, gracias al empeño de Jacques Félix, uno de esos personajes insubstituíbles cuya modesta pero imparable labor acaba cambiando el carácter y la imagen de una ciudad. En efecto, no sólo nació el Festival Mondial sino que años más tarde se constituyó el Institut International de la Marionnette, considerado como la mejor o al menos más reputada escuela hoy con rango universitario sobre el teatro de marionetas. Jacques Félix, titiritero aficionado miembro de la compañía Les Petits Comédiens de Chiffons, ocupó también y durante muchos años la secretaría de Unima Internacional.

Hoy el Festival cuenta con centenares de espectáculos, tanto en las franjas oficiales como en el off, y un sinfín de actuaciones de calle que convierten Charleville-Mézières en una verdadera meca mundial de las marionetas durante la semana que dura el evento. Sería imposible dar una visión del conjunto en esta breve reseña. Vamos a concentrarnos en la presencia catalana, consistente en diez magníficos espectáclos, como antes se ha dicho.

- COMPAÑÍA JORDI BERTRAN, con dos espectáculos: Le sens des fils (El aliento de los hilos), obra de marionetas de hilo y objetos. Domingo 18/09 a las 14h yt 18h - Salle du Mont-Olympe n°1 y La sucrière diabétique (La azecarera diabética), obra de teatro de objetos. Lunes 19/09 a las 14h y 18h - Salle Arthur. www.jordibertran.cat

Imagen esp. Jordi Bertran
Considerado como uno de los maestros indiscutibles de la marioneta de hilo, Jordi Bertran es también un showman que anima sus espectáculos con la voz y la guitarra, y un refinado manipulador no sólo de hilo sino también de manos, como lo demuestran sus geniales interpretaciones a base de sus dedos y dos bolitas. Sus espectáculos, creados en formato de cabaret y a veces casi de musicales, son de obligada presencia en los festivales más importantes del género, y cuentan con talentosos colaboradores, como los manipuladores Paula López y Carles Codina, Litus, en este obra, además del mismo Jordi. Presenta igualmente una obra de teatro de objetos, La Azucarera Diabética, en la que tazas, sacacorchos, cafeteras, azucareras y otros elementos afines son los principales protagonistas.

- JOAN BAIXAS, también con dos espectáculos: La Musique Peinte (La Música Pintada), obra de sombras y marionetas varias. Sábado 17/09 a las 16h y 21h ; Domingo 18/09 a las 11h - Salle du Château, y Mappemonde – Sourire (Mapamundo – Sonrisa) de técnicas varias, el viernes 23/09 a las 18h00 - Parc Collignon La Houillère, sábado 24/09 a las 15h30 - Esplanade du Centre Culturel de Nouzonville, y domingo 25/09 a las 11h00 - Square Bayard. www.joanbaixas.com

pintura Joan Baixas
Joan Baixas es sin duda uno de los titiriteros clave para entender el panorama marionetístico catalán de los últimos treinta y tantos años. Creador de La Claca junto con Teresa Calafell, fue el primero en romper los viejos moldes de la tradición para adentrarse en el campo de la experimentación visual con su trabajo hecho mano a mano con el pintor Joan Miró en Mori el Merma. Desde entonces no ha cesado de desarrollar un mundo propio de imágenes y de interpretación personal que busca la esencialidad matérica tanto del gesto como de la imagen, con una práctica pictórica en la que el artista-titiritero se vuelca íntegramente en la escena. En Charleville ofrece además un taller cuyos resultados, titulados Mapamundo – Sonrisa, serán expuestos al público como último espectáculo del Festival.
 
- EL RETRETE DE DORIAN GREY, con dos espectáculos. Rua aire, obra de marionetas-globos, el martes 20/09 a las 14h y 20h - Salle Bayard, y en gira en (25/09 a las 15h00), Saint André les Vergers (22/09 a las 20h00), Rethel (27/09 a las 14h30 & 20h30). El otro espectáculo, también de marionetas-globo, es Ne me quitte pas, el sábado 17/09 a las 10h30 y 11h15 – Préfecture. www.elretretededoriangray.com

Momento de Rua
Esta compañía, de denominación tan heterodoxa, ha conseguido crear un universo propio con su extraordinario trabajo de elaboración de marionetas a base de globos hinchables. En Rua Aire, mediante un aparato escénico que sugiere tanto el submarino de Monturiol como un artefacto de la marca Magritte, los dos manipuladores del Retrete Ezra Moreno y Marcos Ptt Carballido, maravillan al público con un trabajo de exquisito virtuosismo hecho con globos y con sus únicas manos, mediante la transformación constante de los muñecos nacidos de los globos, que primero son raras amebas recién surgidas de la nada, luego bichos raros que se acercan a las arañas y a otros animalitos, para acabar siendo figuras humanas que sin embargo cambian de forma, pierden una pierna, un pie, un brazo, o la misma cabeza, para ir mutando en un proceso sin fin. Una delicia de espectáculo que empieza a saltar por los mercados internacionales.

- DISSET TEATRO (Islas Baleares) con la obra Le vol de Calandria (El Vuelo de Calandria), obra con técnica bunraku, el miércoles 21/09  a las 17h yt 21h - Théâtre Municipal. www.dissetteatre.com  - www.telmproduccions.com

El Vol de Calandria
He aquí un perfecto ejemplo de la evolución que ha tenido el teatro de marionetas en Cataluña en los últimso años. Disset Teatre es una joven compañía constituída por actores exalumnos de Alfred Casas salidos del Institut del Teatre de Barcelona, cuyo primer trabajo saltó de inmediato a la fama y a los escenarios por la extraordinaria factura del mismo. Con el Premio al Mejor Proyecto de Teatro Visual del Institut del Teatre 2008 en su haber, El Vuelo de Calandria combina títeres de manipulación a la vista, trabajo actoral y una sugerente escenografía que permite el juego de una variedad de registros muy bien resuelta. Espectáculo sumamente poético centrado en una historia de amor que en realidad es un recuerdo, y en la que los temas del destino, de la suerte y del azar se combinan con la música del acordeón y el vuelo celeste de un pájaro mecánico. Con interpretación de Juanma Palacios, Carme Serna y Mariaje López, la obra está dirigida por Carme Serna Far, autora asimismo de la dramaturgia y de los títeres, y cuenta con la asesoría artística de Alfred Casas.

- CIE PELMÀNEC con la obra Don Juan, amère mémoire de moi (Don Juan, amarga memoria de mi mismo), obra para manipulador-intérprete solista, el domingo 18/09 a las 19h ; Lune 19/09 a las 10h yt 14h - Salle Mme de Sévigné. www.pelmanecdonjuanfr.wordpress.com 

Don Juan
Miquel Gallardo, que ya sobresalió con su anterior y reconocido trabajo “L’Avar”, una obra que se sigue representando con éxito por el mundo, se lanza al ruedo de los titiriteros solistas con este Don Juan que requiere un alto voltaje de virtuosismo. Lo consigue Gallardo con un precioso texto que firma junto con Paco Bernal, y que se acerca con mucho respeto y exquisito gusto a la psicología y al complicado mundo del Burlador de Sevilla. Con dirección de María Castillo, Gallardo interpreta a un joven monje que debe cuidar de un anciano enfermo, Don Juan, encarnado en una marioneta. Lo consigue con un juego de voces magnífico, así como con soluciones escénicas sencillas pero capaces de llenar todo el espacio escénico. Gallardo acaba de estrenar una nueva obra con parecidas características técnica sobre el personaje de Hamlet. Un joven titiritero que sin duda dará mucho que hablar.

- CENTRE DE TITELLES DE LLEIDA con Mowgli, l’enfant de la jungle (Mowgli, el niño de la jungla), títeres de mesa, el viernes 23/09 a las 10h yt 14h - Salle Maryse Bastié. www.titelleslleida.com

Escena de Mowgli
Sin duda constituye Mowgli una de las obras más ambiciosas y que mayor éxito ha obtenido de los producidos por el importantísimo Centre de Titelles de Lleida, convertido en una de las principales instituciones titiriteras del país. Se trata de una coproducción de la compañía con el Teatre Nacional de Catalunya, algo que ya viene siendo habitual en los de Lleida, que presenta el drama del Mowgli, el niño salvaje que se debate entre la jungla y la civilización, una obra en la que Joan Andreu Vallvé, autor de la adaptación del texto de Kipling y también de las marionetas y de la escenografía, nos deleita con una estética visual delicada y a la vez impactante. Marionetas de mesa con manipuladores a la vista, siguiendo una línea de trabajo llena de oficio, arte y coherencia.
  
- PRODUCCIONS ESSENCIALS con Cuttlas, anatomie d’un cowboy (Cuttlas, anatomía de un cowboy), obra de marionetas de técnica bunraku, sombras y luz negra el sábado 24/09 a las 20h; domingo 25/09 a las 11h y 16h - Salle du Mont-

Cuttlas
Cuttlas, el popular pistolero creado por el valenciano Calpurnio hace más de dos décadas, es el personaje que los de Produccions Essencials han escogido para esta obra creada por  Sergio Pons, con cramaturgia de Albert Tola y dirección escénica de Lluís Graells. Con un argumento que recoge los temas clásicos del Western, en el que no falta la reconquista de la amada, los duelos al sol con el malvado Jack más otros episodios excéntricos y surrealistas, la obra mezcla el teatro de objetos, el bunraku japonés, el teatro negro y de sombras, la música en directo y las videoproyecciones. Un espectáculo de factura innovadora, rabiosa actualidad y un humor mordaz que no duda en recurrir al más puro estilo del spaghetti western. Una obra que ha merecido ser nominada en los Premios Butaca de Teatro y Cine de Cataluña en 2009 y que ha recibido el Premio de la Prensa del Festival Kontrapunkt 2008, Szczecin, Polonia.

- EL TEATRE DE L’HOME DIBUIXAT
, de Valencia, con Pierre à Pierre (Piedra a Piedra), espectáculo de objetos y actor, el viernes 16/9 a las 10h, 11h y 17h, en la Salle Mantova. www.homedibuixat.com
 
Piedras
Tiao Gombau es el intérprete de esta delicada y preciosa obra dirigida por Rosa Díaz en la que el titiritero descubre la llamada cualidad oculta de las cosas, centrándose en las piedras encontradas en la orilla del mar y que el paseante ha recogido al azar. Anodinas piedras que sin embargo guardan muchos secretos ocultos en su interior. Un espectáculo que desarrolla los principios más contenporáneos de la física sobre las llamadas dimensiones ocultas de la realidad, principios que el titiritero metaforiza a través de una delicada poesía escénica, por la cual las piedras dejan de ser piedras para convertirse en muchas otras cosas distintas, sin jamás dejar de ser por ello piedras. Como quién saca una a una las capas de una cebolla, las piedras van desplegando ante el atónito público sus secretos más recónditos.

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EFIMER, con Le Monstre (El Monstruo), obra deambulatoria de calle para un único muñeco gigante, el viernes 23/09 a las  19h, sábado 24/09 a las 18h y domingo 25/09 a las 16h - Place Ducale. www.educats.es.

Lo Monstre
Efímer presenta la creación de una gran marioneta de calle de 2,50 m de altura y largo de 4 metros, que se mueve por entre el público recorriendo la calle o ocupando el espacio de una plaza. Estrenada en la Fira de Tárrega de 2009, cuenta con dos manipuladores, Jordi Lloreta Pané  y Albert Calafell, y una acordeonista, Meritxell Gené, encargada de amansar al monstruo con su música. La criatura es obra de Xavier Mancho, quién ha querido crear un gran dragón capaz de respirar, comer, dormir, pasear, asustarse y. a veces, enfadarse. Impresiona ver a la bestia deambular con su constitución hecha de madera, poleas, cables y otros elementros mecánicos que le dan vida. El resultado es tan poético como espectacular.


- NE ME TITERE PAS, con Circumloqui, obra deambulatoria de calle para triciclo, actor y marionetas de guante,  el viernes 23/09 a las 17h y 20h ; sábado 24/09 a las 11h y 16h - Place du Théâtre. También el domingo 25/09 a las 14h30 y 17h30 -  Place du Marché, en La Cassine. www.lamaleta.cat

El niño bala
La joven compañía formada en 2006 por Xesco Quadras y la compañía Pomodoro, con Miquel Nevado y Eva Montero, presentan este montaje de calle para un único manipulador, clown y músico a cargo del polifacético Xesco Quadras. Se trata de un circo ambulante que cabe en un triciclo y en el que todo se hace en directo. Destacan sus números de doma más el único niño cañón capaz de volar hasta 50 metros. Humor desbordante y una ingeniería tan deslumbrante, loca y efectiva como casera y divertida.